Francia pone 260 millones de euros en infraestructura de investigación

 

Francia pone a 260 millones de euros en infraestructura de investigación
Efectivo estímulo pretende hacer instalaciones nacionales de clase mundial.

“Instituto de Gene de Francia cerca de París,es el
punto de encuentro”.

El Gobierno francés la semana pasada anunció 260 millones de euros (360 millones de dólares) en la nueva financiación de más de diez años para nueve proyectos de infraestructura nacional de médicos y de investigación de Ciencias de la vida y dos proyectos de demostración en biotecnología.

La financiación es parte de la primera ola de un paquete de estímulo económico de 35 – millones de euros: el gran emprunt, o préstamo grande, ahora llamada “Inversiones para el futuro”, anunciado por el Presidente Nicolas Sarkozy en diciembre de 2009 (ver ‘Gana dinero enorme impulso de investigación francés’).

De 35 millones de euros, más que ha sido tomado de los mercados financieros internacionales, el Gobierno ha asignado 21,9 millones de euros para investigación y educación superior (véase el gráfico). Los 260 millones de euros de subvenciones nuevos trae los importes desembolsados hasta ahora a 834 millones de euros (véase el recuadro). Otros premios serán anunciados durante todo el año, junto con una segunda convocatoria de propuestas.

Sólo dos de los catorce expertos en el panel que juzga las aplicaciones de infraestructura fueron franceses. Joël Vandekerckhove, el Presidente del grupo y un bioquímico de la Universidad de Gante, en Bélgica, dice esto ayudó a reducir la presión ejercida por los científicos franceses, como lo hizo la revisión amplia, con cada propuesta se envía a los revisores de cuatro o cinco.

Vandekerckhove está muy satisfecha con el proceso de revisión, a pesar de que tenía que ser completada en sólo cinco meses. “Fue un gran trabajo”, dice, con cada aplicación con un promedio de 300–400 páginas.

Actualización de genómica
Subvenciones concedidas incluyen 32 millones de euros para crear una plataforma nacional de biología estructural, 27 millones de euros para desarrollar una infraestructura nacional para modelos de enfermedad de ratón, 26 millones de euros para imágenes biomédicas y 17 millones de euros para biobancos.

La mayor concesión, 60 millones de euros, va a un consorcio liderado por las energías alternativas y la Comisión de Energía Atómica (CEA), junto con otros organismos de investigación, para un proyecto llamado Francia-genómica. Sitio de la CEA en Evry, al sur de París, es hogar de la Instituto de Gene, que alberga el centro de secuenciación nacional y el Centro Nacional de genotipado.

Estos dos centros tienen un presupuesto anual de unos 20 millones de euros, tres cuartas partes de los cuales va en salarios, una proporción similar a otros laboratorios de genómica francesa. En este contexto, una suma adicional de 60 millones de euros es un enorme flujo de efectivo en genómica francés, dice Gilles Bloch, director de la División de Ciencias de la vida del CEA.

Bloch, dice que el nuevo dinero irá al reacondicionamiento genómica nacional y regional centros con generación secuenciadores y otros instrumentos, lo que les permite ponerse al día con los principales centros de genoma internacional. Alimentando los centros con el mejor equipo y suministros, dice, será aprovechar las inversiones existentes en personal, laboratorios y edificios.

La subvención también alentar una mayor coordinación en la investigación genómica francesa y realizar instalaciones a investigadores de las universidades y la industria.

Grandes planes

La inversión francesa es un impulso a los planes de la Unión Europea para un enfoque más coordinado internacional para la construcción y operación de infraestructura de investigación, dice Hervé Pero, jefe de la unidad de infraestructuras de investigación de la Comisión Europea en Bruselas.

La Comisión ha destinado a 1,7 millones de euros para 2007-2013 catalizar la creación de una infraestructura de investigación paneuropea. Sin embargo, construir y operar los componentes de este plan costará mucho más dinero que debe proceder de los Estados miembros.

Un dicho régimen es el Europeo Marina biológica recursos Centro (EMBRC), lanzada el mes pasado (véase ‘lanza red de biología marina en aguas entrecortadas’). El francés financiación de 16 millones de euros para su componente nacional de EMBRC es “gran noticia para todo el grupo”, dice Roberto di Lauro, Presidente de la estación zoológica de Anton Dohrn en Nápoles, Italia, que encabeza una red de 15 centros de investigación en 8 países. Francia es el primer país en hacer una contribución sustancial al proyecto, dice, aunque Suecia e Italia también están probable que también anunciar pronto la financiación.

Otro proyecto francés, oculto, proporciona 9 millones de euros para ampliar la bioseguridad de Jean Mérieux/INSERM nivel 4 instalación (BSL-4) en el laboratorio de BSL-4 de Lyon, Francia (véase ‘un virus mortal, tres cuestiones claves’).

El laboratorio de Lyon también coordina un proyecto de la UE llamado infraestructura de investigación europea sobre altamente patógena agentes (ERINHA), actualmente en una etapa experimental, que señalar todos los laboratorios de UE BSL-4 en una única red y permiten a los investigadores de cualquier Estado miembro para usar instalaciones en cualquier parte de la UE (véase ‘laboratorios de bioseguridad Europeo debería para crecer’).

Hervé Raoul, director de la instalación de Lyon, que fue creada en 1999 a un costo de 10 millones de euros, dice el nuevo dinero permitirá su espacio de laboratorio BSL-4 a ser casi se duplicó, lo que le permite ampliar los programas de investigación y host más investigadores nacionales e internacionales.

Las inversiones para el enfoque del futuro en ciencia representa “una oportunidad extraordinaria para la investigación francesa,” dice Patrick Netter, jefe del Instituto de ciencias biológicas del CNRS, la Agencia Nacional francesa de investigación. “Es muy positivo, proporcionando los investigadores con los medios y herramientas para la excelencia científica”.

Anuncios

El Gallego Jandro Villa,Premio Nacional a la Moda

El gallego Jandro Villa, Premio Nacional a la Moda para Jóvenes Diseñadores

Madrid, 26 feb (EFE).- El gallego Jandro Villa ha ganado la XXIII edición del Premio Nacional a la Moda para Jóvenes Diseñadores, que organiza la Asociación de Nuevos y Jóvenes Diseñadores (ANDE), cuyo jurado ha hecho público hoy el fallo.

Natural de Vigo y de 28 años de edad, Jandro Villa, “con una una excelente formación en las mejores escuelas de Pontevedra y Finlandia”, se ha alzado con el premio por su colección ‘Madia Leva’, inspirada en una suma cultural entre Finlandia y Galicia.

El trabajo de Villa presenta, “una mezcla de la iconografía de la Galicia profunda, con escritores como Rosalía de Castro o Castelao, con la cultura clásica nórdica y materiales encontrados en cuarteles militares fineses”, señala un comunicado de ANDE.

Villa ha contado con la mayoría absoluta de votos por parte de los miembros del jurado, una unanimidad total que nunca se había producido en este certamen, según precisan los organizadores.

La propuesta que Jandro Villa ha presentado en este concurso anual se ha caracterizado por la superposición de piezas, mezcla de materiales y un juego en colores neutros donde priman los cortes geométricos y el patronaje de sastrería confrontado con la modistería clásica.

Los materiales empleados como la sarga de algodón, el paño de lana, el tergal, entretela vuelta, el oxford y el punto de red, ofrecen una gama cromática reducida a grises y blanco sucio, favoreciendo estilismos cerrados, mudos, sin ornamento.

Se trata de una colección heterogénea donde lo único que unifica el todo es el color o la ausencia de él.

“El desfile ha sorprendido no sólo a los miembros del jurado si no a todos los asistentes”, precisa el comunicado, ya que cada modelo en un determinado punto del recorrido ha dado “una palmada de harina”, un punto de performance dentro de la colección.

“La harina funciona como un elemento más de la colección”, ha señalado Jandro Villa, tras conocer el fallo del jurado. “No esperaba ganar, mi objetivo era presentar lo que hago y conocer diseñadores jóvenes, como yo, de otras comunidades, tener una experiencia más en mi micro-mundo de la moda”, ha precisado el diseñador gallego.

La décima BAFWeek concluye con un guiño
a los diseños de autor y una mirada retro
Emporio Armani se rodea de famosos y tiñe de negro
la pasarela de Milán
El diseño argentino se reivindica en el mercado
internacional de la moda
La BAFWEEK finaliza con el objetivo de
proyectar exterior…
La sensualidad más autoritaria de Moschico
invade las pasarelas de Milán

Noticias relacionadas

* Kylie Minogue no se retira: “Soy adicta al trabajo”
* Justin Timberlake: “Todo el tiempo tengo que demostrar que no soy idiota”
* Famosos con la soga al cuello
* Las chicas de ‘Sexo en Nueva York’ consiguen el antioscar de la interpretación

Roma, 26 feb (EFE).- El diseñador italiano Giorgio Armani se rodeó hoy de algunos rostros famosos para teñir de negro la pasarela de la Semana de la Moda Femenina de Milán con las propuestas de su línea de ropa Emporio Armani para el próximo otoño-invierno.

Esta cuarta jornada de la Semana de la Moda contó con la presencia, entre otros, del cantante puertorriqueño Ricky Martin y la estadounidense Tina Turner, así como Sylvie Van der Vaart, mujer del ex futbolista holandés del Real Madrid Rafael Van der Vaart.

Emporio Armani dejó sobre la pasarela milanesa toda una muestra del más puro estilo sobrio y elegante del modisto italiano, con unas propuestas basadas, sobre todo, en el negro -a veces con alguna transparencia-, una austeridad de colores rota en muy contadas ocasiones por el pelo de algunos bolsos y abrigos.

La firma italiana propone para la próxima temporada de frío una mujer que huye de la rectitud en las formas de sus prendas y se atreve de nuevo con los movimientos de los tejidos e, incluso, algunas mangas en forma de bolsa.

En la colección presentada por Emporio Armani en la pasarela de Milán, que estará abierta hasta el próximo martes, también se pudo ver alguna muestra de pantalón al estilo Capri y algo de estampado de leopardo en bolsos y zapatos.

Pero la tónica general es la de prendas en negro que se combinan con gabardinas o cortos abrigos de pelo, un elemento que también se ve en algunos abultados bolsos de mano, todo dentro de una colección que la propia firma define como propia de una “historia de espías” rusos o de una película del agente secreto británico James Bond.

Como es habitual siempre que presenta colección en Milán, Armani dedicó unos minutos a los periodistas, quienes le preguntaron por el hecho de que la firma Christian Dior haya decidido suspender al gibraltareño John Galliano tras ser acusado de agresiones leves e insultos antisemitas a una pareja en París.

“Los rumores dicen que la decisión sobre Galliano ya había sido tomada desde hace tiempo por (el máximo responsable del grupo LMVH ) Bernard Arnault y que lo que ha sucedido es sólo la gota que ha colmado el vaso”, dijo Armani, en declaraciones que recogen los medios italianos.

“Se hablaba de Phoebe Philo, pero Riccardo Tisci podría ir bien y estaría contento de que eligieran a un italiano”, agregó.

Por la pasarela de Milán desfiló hoy también la firma alemana Jil Sander, con una colección otoño-invierno muy futurista puesta en escena con modelos que más que nunca parecía maniquíes de pálidas caras, labios de un rojo intenso y un pelo, en unas ocasiones cubierto por capuchas, y, en otras, fijo a la cabeza.

La sobriedad en los monocordes colores de las prendas que Jil Sander propone para la próxima temporada de frío sólo queda rota por algunos estampados en flores, adornando siempre amplias prendas que devuelven a la pasarela los cortes saco y globo.

Las mezclas de lisos blancos, negros, azul eléctricos, amarillos y negros triunfarán, según la firma alemana, entre las mujeres del otoño-invierno 2011-2012, quienes mañana podrán tomar nota de las propuestas de diseñadores italianos como Dolce y Gabbana y Salvatore Ferragamo.

La Ciudad de Toledo en España

TOLEDO, municipio y ayuntamiento.

Municipio de la provincia del mismo nombre.

El Ayuntamiento se encuentra en la ciudad de Toledo (67.000 hab.), que es a su vez capital de la Comunidad Autónoma de Castilla- La Mancha. Se asienta sobre un cerro y la rodea el río Tajo, dando la impresión que el río abraza a la Ciudad Imperial. Hasta el siglo XVI, que es cuando la corte se traslada a Madrid, Toledo resume buena parte de la historia de la Península Ibérica.

La ciudad de Toledo es considerada por la UNESCO “Patrimonio de la Humanidad”. Es una de las ciudades más turísticas de España.

Este nombramiento no es gratuito, la ciudad es una auténtica joya monumental y un reclamo turístico de gran importancia en España y en Europa. Ninguna ciudad española condensa tanta historia de España, ni reúne tantos monumentos de las más variadas culturas que por ella han pasado: la hispano-romana, la árabe, la judía y por último la cristiana.

Actualmente, Toledo conserva la imagen de ciudad medieval, aunque no por ello se ha abandonado la modernización de la ciudad. Sus monumentos, museos, iglesias, ermitas y palacios, se apiñan dentro de sus antiguas murallas. El Greco ( que en el siglo XVI se instaló en esta ciudad) proyecta su sombra sobre toda la ciudad, como si quisiera protegerla de algo.

 

Dos edificios destacan por su altura y dimensiones sobre la ciudad, son: la Catedral y el Alcázar.

 

El primer monumento de la Ciudad Imperial es su Catedral, la llamada “dives toledana”. Fue construida sobre el antiguo solar de la catedral visigoda y de la mezquita. Por sus dimensiones es uno de los mayores templos de la cristiandad. Consta de cinco naves, la central es la más grande, tanto en anchura como en altura. Las obras comenzaron en 1226 y finalizaron en el 1493. La mezcla de estilos se debe al gran periodo transcurrido entre el comienzo y la terminación. En el exterior tenemos un estilogótico, en el interior encontramos desde mudéjar a plateresco. De la catedral destacaremos lo siguiente: el claustro (en el solar había un mercado judío); el campanario presidido por una gran campana, conocida como “la gorda”; la sacristía contiene cuadros de: El Greco, Goya, Tiziano, Rubens, Van Dyck y Rafael; a los pobres de antaño se le daba el pan en la puerta del Mollete; otras dos puertas destacan: la de “los leones”y “la del perdón”; a continuación haremos mención especial a lo siguiente: el día del Corpus Christi se saca en procesión por las calles de la ciudad la custodia, es del siglo XVI, mide tres metros de alto y es totalmente de plata; existe un templete de mármol, jaspe y bronce, conocido como “Transparente”, obra de Narciso Tomé;el coro, donde se representa la toma de Granada y se describen escenas del Antiguo yNuevo Testamento; y por fin uno de los retablos mejores de España: el Retablo del altar mayor, policromado y con escenas de la vida de Cristo.

La Catedral gótica es el símbolo del poder de los arzobispos primados que a lo largo de los siglos han sido príncipes de la iglesia, mecenas de las artes y con un gran poder político.

El segundo gran edificio de la Ciudad Imperial es, como hemos dicho, el Alcázar. Probablemente los primeros que pusieron piedras fueron los romanos, posteriormente los musulmanes lo reforman para convertirlo en alcazaba, pero fue el emperador Carlos V, en 1535, quien lo remodela completamente.

En la Guerra de Secesión es incendiado por tropas austriacas y portuguesas. En el año 1810 sufrió otro destrozo, siendo posteriormente reconstruido. En 1936 se refugiaron tropas afines al general Franco y fue asediado por tropas republicanas. Quedó destruido por completo. En su restauración se siguieron los planos originales de los arquitectos Covarrubias, autor de la portada plateresca, Juan de Herrera, la grandiosa escalera y de Ventura Rodríguez. Durante años fue un lugar de peregrinaje de los seguidores de Franco. Hoy día es sede de una de las bibliotecas más grandes de España.

Otros lugares de interés son:

Museo de Santa Cruz.- Anteriormente fue un hospital fundado por el Cardenal Mendoza en el siglo XVI. Se exponen tapices, escultura y pintura. Destaca la pintura “La Asunción de la Virgen”, obra de El Greco.

Mezquita del Cristo de la Luz.- Actualmente es una iglesia. Es uno de los más bellos edificios árabes.

Casa-Museo de El Greco.- Se pueden ver muchos objetos del pintor cretense, así como una amplia muestra de la obra del pintor. También se pueden contemplar obras de sus discípulos.

Iglesia de Santo Tomé.- La obra maestra de El Greco se encuentra en esta iglesia: El entierro del Conde Orgaz (1588). La torre de la iglesia es mudéjar. El conde fue un gran mecenas.

Palacio de Fuensalida.- Es un conjunto mudéjar (s. XV). En la actualidad alberga la sede de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.

Sinagoga del Tránsito.- Es del siglo XIV. Acoge el museo sefardí.

Sinagoga de Santa María la Blanca.- Es del siglo XIII.

Puerta de la Bisagra.- Toledo tiene nueve entradas en sus murallas. La Puerta de la Bisagra es la más importante. Fue construida para recibir al emperador Carlos V. En la fachada se encuentra el símbolo de la ciudad y de Carlos V: el águila bicéfala.

Fiestas y Gastronomía

Una de las imágenes de Toledo es la celebración de la procesión eucarística a finales de mayo o principios de junio del Corpus Christi. La inmensa custodia es paseada por las calles de la ciudad bajo toldos antiguos y los cofrades vestidos con vistosos trajes la acompañan. Las fachadas se cubren con telas, macetas, etc. En febrero se celebran los carnavales y en Semana Santa tienen lugar numerosas procesiones.

Las Fiestas Patronales tienen lugar el 15 de agosto en honor de la Virgen del Sagrario. El primero de mayo tiene lugar una Romería en la Ermita de la Virgen del Valle.

Toledo es un inmenso museo vivo lleno de historia. Y para disfrutarlo al máximo lo mejor es callejear (barrio judío y medieval) y visitar sus numerosas y maravillosas tiendas llenas de artesanía, donde podremos ver el arte del “damasquinado” o degustar su gastronomía y repostería en infinidad de restaurantes. Destacando el mazapán, un exquisito dulce artesano, famoso en el mundo entero.

El municipio forma parte de la zona de producción de dos productos que sobresalen por su calidad: el Queso y el Aceite de Oliva Virgen Extra.

 

Se comercializan con las etiquetas de calidad de:

1º.- Denominación de Origen “Queso Manchego”.

2º.- Denominación de Origen “Montes de Toledo”.

Muere a los 64 años el actor británico Pete Postlethwaite

 

 

 

 

 

Este artículo o sección se refiere o está relacionado con un fallecimiento reciente

Peter «Pete» William Postlethwaite

(Warrington, Cheshire, Inglaterra, 16 de febrero de 1946 – Shropshire, Inglaterra, 2 de enero de 2011)[2] , fue un actor británico.

Nació en Warrington, Cheshire (Inglaterra), siendo el cuarto hijo de Mary (Geraldine de soltera) y William Postlethwaite. Se formó en el St. Mary’s University College, en Londres, y durante un tiempo pensó en convertirse en sacerdote. Finalmente se dedicó a la educación, antes de lanzarse a los escenarios en la Bristol Old Vic Theatre School.

Postlethwaite comenzó su carrera en el Everyman Theatre, junto a Bill Nighy, Jonathan Pryce, Sher Antonio y Julie Walters, con quién mantuvo un romance durante la segunda mitad de la década de 1970.[3]

Trabajó habitualmente como actor teatral, destacando su papel protagonista en la obra Scaramouche Jones. Ha trabajado con la compañía británica Royal Shakespeare Company y en obras como El sueño de una noche de verano o Every Man and His Humour.

Se dio a conocer internacionalmente en 1993 al interpretar a Giuseppe Conlon en la película En el nombre del padre, de Jim Sheridan. Por este trabajo fue candidato a un Óscar al mejor actor de reparto en la 66ª edición de los premios.[4] La película, nominada también al Óscar a la mejor película, está basada en los casos de los Cuatro de Guildford y los Siete de Maguire.

El director de cine de Hollywood, Steven Spielberg, le describió como “el mejor actor del mundo” después de haber trabajado con él en El mundo perdido: Parque Jurásico II y Amistad, ambas en 1997. También participó en cintas como The Usual Suspects (1995) y Romeo + Julieta (1996).

Entre sus últimas películas destacan Solomon Kane (2009), Inception (2010), The Town (2010) o Furia de titanes (2010), remake de la película de 1981 del mismo nombre.

En 2004 le fue concedida la OBE (Oficial) de la Orden del Imperio Británico.[1]

En 2008 protagonizó la película, en clave de documental, The Age of Stupid. Trata sobre el calentamiento global antropogénico a través de un drama con elementos documentales y algunos dibujos humorísticos. Postlethwaite hizo el papel de un anciano que habita el mundo arruinado del año 2055. Observa los reportajes del daño causado por nuestras acciones y se plantea la pregunta: «¿por qué no haber hecho nada para evitarlo?».[5]

Vivió en Shropshire, con su esposa Jacqueline Morrish, ex productora de la BBC, con quién se casó en 2003, en Chichester, Sussex. Tienen dos hijos: William John (n. 1989) y Lily Kathleen (n. 1996).[6]

En 1990 le diagnosticaron cáncer testicular, del cual no llegó a recuperarse totalmente.[7] Falleció el 2 de enero de 2011 en Shropshire, Inglaterra, tras una lucha de dos décadas contra la enfermedad.[2]

Los números de 2010

Los duendes de estadísticas de WordPress.com han analizado el desempeño de este blog en 2010 y te presentan un resumen de alto nivel de la salud de tu blog:

Healthy blog!

El Blog-Health-o-Meter™ indica: ¡Este blog está en fuego!.

Números crujientes

Featured image

Un duende de estadísticas ha creado esta pintura abstracta, inspirada en tus estadísticas.

Un barco de contenedores puede llevar a unos 4.500 contenedores. Este blog fue visto cerca de 15,000 veces en 2010. Si cada cada visita fuera un contenedor, tu blog llenaria 3 barcos.

En 2010, publicaste 558 entradas nueva, haciendo crecer el arquivo para 797 entradas.

The busiest day of the year was 7 de marzo with 183 views. The most popular post that day was Rafa Mora elige a Raquel-Final.MHYV(04-03-2010).

¿De dónde vienen?

Los sitios de referencia más populares en 2010 fueran wikio.es, search.conduit.com, es.wordpress.com, starviewer.wordpress.com y mail.live.com.

Algunos visitantes buscan tu blog, sobre todo por descuidos de famosos, tuberculosis, salud, sexualidad en vivo y hermafroditismo.

Lugares de interés en 2010

Estas son las entradas y páginas con más visitas en 2010.

1

Rafa Mora elige a Raquel-Final.MHYV(04-03-2010) marzo, 2010

2

“Belleza y aciertos de los famosos” agosto, 2009

3

“HERMAFRODITISMO HUMANO” noviembre, 2009

4

“Trastornos de inicio en la Infancia,la Niñez o la Adolescencia” enero, 2010
2 comentários

5

¡Famosas pintadas como puertas! agosto, 2009

FÁBRICAS EN CASA-REPORTAJE:EXPERIENCIAS

FAB LABS ‘DEMOCRATIZA’ EL PROCESO DE PRODUCCIÓN CON UNA RED MUNDIAL DE TALLERES

Ordenadores conectados a televisiones en Sudáfrica o un sistema de energía solar en India. Todos estos proyectos han nacido en Fab Labs -apócope de Laboratorios de Fabricación-, una red de talleres que está democratizando el proceso de producción. Una revolución silenciosa que en 20 años culminará con una máquina capaz de transformar bits en átomos. Al menos eso augura el cerebro que hay detrás de los Fab Labs, Neil Gershenfeld.

EN 2011 SE PREVÉ QUE HAYA UN CENTENAR DE ESTE TIPO EN EL MUNDO

“VA SIENDO HORA DE HABLAR DE LA REVOLUCIÓN DIGITAL DE LA FABRICACIÓN”
Este catedrático del Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) es la viva imagen que la sociedad tiene de un científico; al menos, en apariencia: gafas, pelo ensortijado y sonrisa traviesa. “Es común hablar de la revolución digital en telecomunicaciones y en informática. El teléfono pasó de analógico a digital. Y la informática digital nos dio ordenadores. Va siendo hora de hablar de la revolución digital de la fabricación”. Los alumnos de Gershenfeld ya trabajan en un aparato que transformará el código binario de la informática en materia. Es el sueño húmedo de la ciencia-ficción: el replicador, esa máquina que en Star Trek preparaba un té de la nada, está de camino. Suena futurista pero teniendo en cuenta que Gershenfeld predijo que los ordenadores se parecerían a los libros -vaticinó el iPad-, puede que tengamos que tomarlo en serio.

Los Fab Labs están plantando la semilla del replicador. Son más de 50 en todo el mundo: Afganistán, Colombia, Kenia, España… “Cada año doblan en número, en 2011 habrá 100”, predice Gershenfeld. El primero nació en Boston en 2002 financiado por la Fundación Científica Nacional (EE UU). “La Fundación nos solicitó [al Center for Bits and Atoms, del MIT] que comunicáramos el resultado de nuestra investigación. Esos resultados eran un conjunto de herramientas [programas y máquinas] con el que se puede construir casi cualquier cosa. Se nos ocurrió que para comunicarlo, lo mejor que podíamos hacer era cederlas”, cuenta en Madrid Gershenfeld tras dar una charla en unas jornadas organizadas por Bankinter. Así nació el primer Fab Lab, un taller con un conjunto de herramientas que permiten fabricar, por ejemplo, una tecnología capaz de rastrear a las ovejas en Noruega. Los laboratorios se expandieron como la pólvora. “No había un plan para crear una red mundial. Los Fab Labs surgen de forma espontánea porque son necesarios, pero no hay nadie al mando”, cuenta Gershenfeld. La fiebre Fab Lab contagió a España: hace ocho años Barcelona abrió el primero, el segundo está en Benasque, el tercero en Madrid y el cuarto en Sevilla.

La varita mágica que materializa los proyectos no es barata: incluye, entre otros instrumentos, una cortadora láser, una cortadora por control numérico, otra de vinilo; una máquina de fresado por control numérico y una impresora 3D. “Cuesta más de 50.000 dólares, a los que hay que sumar 10.000 (7.559 euros) para materiales y otros 10.000 para acondicionar el edificio del taller”, detalla Gershenfeld. Demasiado caro para montar uno en el garaje. “Es el paso previo al replicador. En 20 años las máquinas, el material, el software y el duro trabajo que se hace en un Fab Lab, se simplificará y abaratará. Crearemos una máquina con la que fabricaremos cosas en casa”. Gershenfeld tira de analogía: Internet necesitó una habitación llena de ordenadores para funcionar, hoy lo hace en el móvil.

La financiación de los Fab Labs varía: pública, empresas (el de Madrid ha arrancado con el dinero de Absolut Vodka), donaciones…
No hay secretos

“La idea es crear una plataforma comercial y mundial que los haga autónomos”, explica este físico. Los Fab Labs son, según Gershenfeld, una respuesta a la crisis. “La mayoría de los grandes negocios surgieron en épocas de recesión. El mercado actual se basa en inventar un producto y en producirlo en una fábrica. Nuestra filosofía es otra. Se trata de producir bajo demanda en laboratorios locales, independientemente de dónde se haya diseñado el producto”. Un modelo de negocio que se sustenta en el código abierto y la transparencia: “No hay secretos, los Fab Labs comparten sus proyectos. El software es de código abierto, para que el usuario pueda llevarse una copia a casa y aprender”. Sobre las patentes, Gershenfeld razona: “No tenemos reglas sobre la propiedad intelectual, son inútiles. No protegen, son para ir a juicio”.

Gershenfeld también es el teórico del Internet de las cosas, cuando todas ellas tengan una dirección IP y se comuniquen.

Francisco José de Goya y Lucientes-Influencias de Goya- 1746-1828

Obras:


1788 – 42 años
Carlos III de cazador
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 207 x 126 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1788 – 42 años
Los duques de Osuna y sus hijos
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 225 x 171 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1789 – 43 años
La gallina ciega
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 269 x 350 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1795 – 49 años
La maja desnuda
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 95 x 188 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1800 – 54 años
Ferdinand Guillemardet
Material: Óleos obre lienzo.
Medidas: 186 x 124 cm.
Museo: Museo del Louvre. París

1801 – 55 años
La familia de Carlos IV
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 280 x 336 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1805 – 59 años
La maja vestida
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 95 x 188 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1814 – 68 años
Los fusilamientos del 3 de mayo
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 268 x 347 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1814 – 68 años
La lucha contra los mamelucos
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 268 x 347 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1814 – 68 años
La fragua
Material: Óleo sobre hojalata.
Medidas: 31 x 40 cm.
Museo: Colección Masaveu

1815 – 69 años
Autorretrato
Material: Óleo sobre tabla.
Medidas: 46 x 35 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

1823 – 77 años
Saturno devorando un hijo
Material: Pintura mural pasada a lienzo.
Medidas: 146 x 83 cm.
Museo: Museo del Prado. Madrid

Biografía:


    Pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura de su país. Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en Edouard Manet, Pablo Picasso y gran parte de la pintura contemporánea. Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó a un estilo personal y creó obras que, como la famosa El 3 de mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío (1814, Museo del Prado, Madrid), siguen causando, hoy día, el mismo impacto que en el momento en que fueron realizadas. Goya nació en la pequeña localidad aragonesa de Fuendetodos (cerca de Zaragoza) el 30 de marzo de 1746. Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre descendía de una familia de la pequeña nobleza de Aragón. Poco se sabe de su niñez. Asistió a las Escuelas Pías de Zaragoza y comenzó su formación artística a los 14 años, momento en el que entró como aprendiz en el taller de José Luzán, pintor local competente aunque poco conocido, donde Goya pasó cuatro años. En 1763 el joven artista viajó a Madrid, donde esperaba ganar un premio en la Academia de San Fernando (fundada en 1752). Aunque no consiguió el premio deseado, hizo amistad con otro artista aragonés, Francisco Bayeu, pintor de la corte que trabajaba en el estilo académico introducido en España por el pintor alemán Anton Raphael Mengs. Bayeu (con cuya hermana, Josefa, habría de casarse Goya más adelante) tuvo una enorme influencia en la formación temprana de Goya y a él se debe que participara en un encargo importante, los frescos de la iglesia de la Virgen del Pilar en Zaragoza (1771, 1780-1782), y que se instalara más tarde en la corte. En 1771 fue a Italia donde pasó aproximadamente un año. Su actividad durante esa época es relativamente desconocida, se sabe que pasó algunos meses en Roma y también que participó en un concurso de la Academia de Parma en el que logró una mención. A su vuelta a España, alrededor de 1773, se presentó a varios proyectos para la realización de frescos, entre ellos el de la Cartuja de Aula Dei, cerca de Zaragoza, en 1774, donde sus pinturas prefiguran las de sus mejores frescos realizados en la iglesia de San Antonio de la Florida en Madrid, en 1798, fecha en la que comenzó a hacer grabados partiendo de la obra de Velázquez que, junto con la de Rembrandt, sería fuente de inspiración durante toda su vida.

En 1789 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV y en 1799 ascendió a primer pintor de cámara, decisión que le convirtió en el pintor oficial de Palacio. Goya disfrutó de una posición especial en la corte, hecho que determinó que el Museo del Prado de Madrid heredara una parte muy importante de sus obras, entre las que se incluyen los retratos oficiales y los cuadros de historia. Éstos últimos se basan en su experiencia personal de la guerra y trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia de la crueldad humana. Los cartones para tapices que realizó a finales de la década de 1780 y comienzos de la de 1790 fueron muy apreciados por la visión fresca y amable que ofrecen de la vida cotidiana española. Con ellos revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había limitado a reproducir fielmente las escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers. Algunos de los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajes de la corte y de la nobleza datan de la década de 1780. Obras como Carlos III de cazador (1786-1788), Los duques de Osuna y sus hijos (1788) ambos en el Museo del Prado de Madrid, o el cuadro la Marquesa de Pontejos (c. 1786, Galería Nacional, Washington) demuestran que en esa época pintaba con un estilo elegante, que en cierto modo recuerda al de su contemporáneo inglés Thomas Gainsborough. Dos de sus cuadros más famosos, obras maestras del Prado, son, La maja desnuda (1800-1803) y La maja vestida (1800-1803). En el invierno de 1792, en una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos, en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época. Series posteriores, como los Desastres de la guerra (1810) y los Disparates (1820-1823), presentan comentarios aún más cáusticos sobre los males y locuras de la humanidad.

Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre soldados franceses y ciudadanos españoles durante los años de la ocupación napoleónica. En 1814 realizó El dos de mayo de 1808, la lucha contra los mamelucos y El tres de mayo de 1808, los fusilamientos en la montaña de Príncipe Pío (ambos en el Museo del Prado). Estas pinturas reflejan el horror y dramatismo de las brutales masacres de grupos de españoles desarmados que luchaban en las calles de Madrid contra los soldados franceses. Ambas están pintadas, como muchas de las últimas obras de Goya, con pinceladas de grueso empaste de tonalidades oscuras y con puntos de amarillo y rojo brillante. Sencillez y honestidad directas también se aprecian en los retratos que pintó en la cúspide de su carrera, como Carlos IV con su familia (1800, Museo del Prado), donde se muestra a la familia real sin la idealización habitual. Las célebres Pinturas negras (c. 1820, Museo del Prado) reciben su nombre por su espantoso contenido y no tanto por su colorido y son las obras más sobresalientes de sus últimos años. Originalmente estaban pintadas al fresco en los muros de la casa que Goya poseía en las afueras de Madrid y fueron trasladadas a lienzo en 1873. Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un hijo (c. 1821-1823), Aquelarre (escena sabática) (1821-1823). Predominan los tonos negros, marrones y grises y demuestran que su carácter era cada vez más sombrío. Posiblemente se agravó por la opresiva situación política de España por lo que tras la primera etapa absolutista del rey Fernando VII y el Trienio constitucional (1821-1823), decidió exiliarse a Francia en 1824. En Burdeos trabajó la técnica, entonces nueva, de la litografía, con la que realizó una serie de escenas taurinas, que se consideran entre las mejores litografías que se han hecho. Aunque hizo una breve visita a Madrid en 1826, murió dos años más tarde en el exilio, en Burdeos, el 16 de abril de 1828. Goya no dejó herederos artísticos inmediatos, pero su influencia fue muy fuerte en los grabados y en la pintura de mediados del siglo XIX y en el arte del siglo XX.

  

  

La Maja Desnuda
Pintado: 1797 / 98.
TAMAÑO ORIGINAL: 97 X 190 cm.

En un principio se la denominó, junto a a la “Maja vestida”, como las “Las Gitanas”. Goya crea un nuevo modelo de desnudo que posteriormente segirán otros pintores, especialmente franceses. Las especulaciones sobre la personalidad real de las modelos que utilizó han sido multiples y conflictivas. Hoy se piensa que fueron dos por lo menos, una para el cuerpo, y otra para el rostro. La iluminación de la escena del cuadro es magnífica, aporta una intimidad y un ambiente matizado excepcional.

Curiosidad: la modelo adopta una postura sobre el camastro en la que todo el cuerpo se apoya en los pies, no es la misma postura que en la Maja vestida.

Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
La Maja Vestida
Pintado: 1797-98.
TAMAÑO ORIGINAL: 95 X 190 cm.

Repite la composición de la “Maja desnuda”, en disposición, tamaño e iluminación de la escena. Cambia ligeramente la postura de la modelo y claramente los colores pora conseguir un cambio en la atmósfera general del cuadro. Posiblemente utilizó una nueva modelo de figura más estilizada.Curiosidad: en este cuadro la modelo adopta una postura en la que todo el cuerpo se apoya en las pantorrillas, los pies los tiene fuera del camastro.


El Perro Semihundido o “El Perro en la Arena”
Pintado: 1820 / 21.
 Pintura inquietante e indescifrable. Pertenece a las 14 “pinturas negras” y fué pintada sobre la pared de una de las salas de “La Quinta del Sordo”. No tiene referente histórico, mitológico o bíblico, posiblemente sea una expresión de su estado de ánimo, su propia desesperación, angustia…

Curiosidad: ¿el perro se hunde en el agua o en la arena?

Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
La Lechera de Burdeos
Pintado: 1827.
TAMAÑO ORIGINAL: 74 X 68 cm.

Pintado durante su exilio voluntario en Francia, Goya retorna a un estilo más luminoso que caracterizó su primera época. Los bordes de las figuras están primorosamente difuminados suavizando su contraste con un fondo con colores verdes ligeramente azules, que en sus anteriores obras había abandonado.

Este cuadro ha sido considerado por muchos estudiosos de la pintura como la primera obra impresionista de la historia.


La Vendimia
Pintado: 1786 / 87.
TAMAÑO ORIGINAL: 277 X 192 cm.Es una pintura con vivas tonalidades y contrastes precisos, que conforman un conjunto armonioso. Las escenas de la vida cotidiana, sus fiestas, sus trabajos, juegos y celebraciones son el argumento de las obras de Goya entre los años 1786 al 1788.

Curiosidad: la alegría es tan grande que hasta los vendimiadores del fondo están eufóricos con su agotador trabajo.

Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
El Pelele
Pintado: 1791.
 

Goya realizó muchos cuadros para los cartones utilizados en los telares y la fáfrica de tapices del Rey Carlos IV.
Se le supone un significado simbólico lleno de sarcasmo hacia la figura del monarca y la situación del país: cuatro “mujeres” -sexo débil- mantean un “muñeco” -el Rey- a su antojo.


Los Fusilamientos del 3 de Mayo
Pintado: 1814.
TAMAÑO ORIGINAL: 266 X 345 cm.Encargada por el Rey junto a “La lucha con los Mamelucos” para inmortalizar la resistencia del pueblo de Madrid a las tropas de Napoleón. Posiblemente fue realizada sobre apuntes hechos por Goya del natural. El dramatismo es acentuado por la nocturnidad y la composición simétrica de los actores; los fusilados con rostros llenos de sentimiento y los soldados de espaldas, sin cara, máquinas del mal…
Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
La Gallina Ciega
Pintado: 1789.
 

Este es el único cartón que acabó Goya antes que el Rey Carlos III, que se los encargó, falleciese. Es de tema costumbrista, de marcada influencia francesa que el maestro supo adaptar a los temas madrileños. Se comienza a adivinar la creciente melancolía que empezaba a invadir al pintor.


El Quitasol
Pintado: 1777.
TAMAÑO ORIGINAL: 222,30 X 293 cm.Pertenece al segundo grupo de 10 cartones para los tapices del comedor del Palacio del Pardo de Madrid, residencia de los príncipes de Asturias, el futuro Rey Carlos IV y Maria Luisa de Parma. Reproduce como todas estas series, motivos populares inspirados en costumbres, escenas y celebraciones de la vida de Madrid. Fundamentalmente, “El Parasol”, es un cuadro tremendamente original en su composición y ejecución: un colorido fresco que crea un ambiente cálido, los modelos que posan “un instante” en un jardín, y fantastico fondo, quizás el más delicado que pinto Goya.
Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
El Chatarrero
Pintado: 1779.
TAMAÑO ORIGINAL: 259 X 220 cm.

Obra que fue pintada para el Rey y que rebosa ambiente popular típicamente español. Se supone qu el tema fue elegido por la misma hija del Monarca.
Es de comentar la influencia de Velázquez en esta obra, especialmente en el tratamiento de las formas y más concretamente en los objetos como la vajilla que está en el suelo o el perro que duerme a su lado.


Las Floreras
Pintado: 1786 / 87.
 Antes de la muerte del Rey Carlos III, Goya realiza pinturas para el comedor Real del Pardo, residencia de los Principes de Asturias. Son por lo general de temas campestres como este, o “La Vendimia”, anteriormente comentado. Son pinturas llenas de alegría que transmiten el estado de ánimo del pintor por su situación personal y la de España, que Goya trasladaba a sus pinturas constantemente, y que, una vez fallecido este monarca, cambió radicalmente.
Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
La Boda
Pintado: 1791 / 92.
 

Cartón de gran formato en el que Goya nos muestra su vena satírica. Representa una boda de conveniencia de la época: el cortejo con sus distintos grupos (niños, músicos, invitados…), los novios (ella elegante, él grotesco), los amigos de la novia, el cura, el padrino…En el fondo la obra es una sucesión de caricaturas de “modelos de la época”.


Merienda a la Orilla del Manzanares
Pintado: 1776.
 Goya vuelve a demostrar su habilidad para capturar un momento de acción, un instante con distintos modelos que cada uno hace una cosa distinta, una fotografía en 1776. Se observan en el paisaje los elementos y el tratamiento que utilizacía posteriormente en “El Quitasol”.

El momento de la merienda rebosa sensualidad, la postura de la mujer en especial.

Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
Las Gigantillas
Pintado: 1792-1793.
 

Esta fué una de las últimas pinturas que realizó Goya para la Casa Real Española.
Nos vuelve a transmitir el estado general de ánimo que le rodea. La pintura es triste, como la sonrisa del niño a la vez divertida y miedosa por su propia inestabilidad. Es de resaltar la diferencia de atmósfera respecto las obras similares -ya comentedas como “La vendimia, El Quitasol, Las Floreras”- que decoraron los comedores Reales.


La Pradera de San Isidro
Pintado: 1789.
TAMAÑO ORIGINAL: 222,5 X 293 cm.Los motivos campestres que alcanzan su mayor representación en esta estampa costumbristas, son el tema de una serie de cartones encargados por Carlos III e inacabados por su muerte. El mismo Goya comentó que este trabajo le había supuesto numerosos problemas de composición, cosa nada extraña si observamos la complejidad de acciones, el número de personajes y los distintos planos de paisaje que representó el pintor.
Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
La Nevada
Pintado: 1786 / 87.
TAMAÑO ORIGINAL: 275 X 293 cm.

Goya demuestra en esta pintura que ya ha asimilado el trabajo de sus referencia pictóricas, Tiepolo y fundamentalmente, a Velázquez. Es capaz de representar y transmitir el fío que tienen los personajes, estado que se refleja impresionántemente en el perro, que parece paralizado por la gélida temperatura.


Saturno Devorando a su Hijo
Pintado: 1819 / 23.
TAMAÑO ORIGINAL: 146 X 83 cm.Sin duda la pintura más terrible y estremecedora de Goya, pintada en sus últimos y sombrios años de vida. La violencia expresionista de la pintura es fiel reflejo de la situación atormentada del pintor, siempre reflejando en sus obras su estado de ánimo.
Este tema mitológico, representado en multitud de ocasiones por los mejores artistas de la historia, alcanza su máximo nivel en esta inigualable obra maestra.
Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
Viejos Comiendo Sopas
Pintado: 1819 / 23.
TAMAÑO ORIGINAL: 53 X 85 cm.

Otra de las denominadas “pinturas negras” de la “Quinta del Sordo” donde vivió un tiempo, motivo -la sordera de Goya- por la que se apodó así. La reducida y oscura paleta de colores del pintor demuestran una vez más el reflejo de su estado de ánimo, además de una posible falta de recursos económicos para comprar material (pinturas, lienzos, pinceles…). Puro expresionismo.


El Aquelarre
Pintado:: 1821 / 23.
TAMAÑO ORIGINAL: 140 X 238 cm.Otra de la “pinturas negras” que tiene todas sus características, paleta oscura, contrastada y reducida, violencia, espresionismo… En esta, además se suma el tema de la pintura, nada más tétrico, misterioso y antinatura, para acrecentar el espíritu de todas las pinturas de la “Quinta del Sordo”.
Goya
Pulse en la imagen para ampliarla


Goya
Pulse en la imagen para ampliarla
Peregrinación a la Fuente de San Isidro
Pintado: 1821 / 23.
TAMAÑO ORIGINAL: 140 X 138 cm.

También “pintura negra”, pero esta vez con un tema popular ya pintado por Goya en otras ocasiones. Es evidente que el tratamiento con otros trabajos de tema parecido en radicalmente distinto, es más casi podríamos decir que opuesto. No hay más que ver, por ejemplo “La Pradera de San Isidro” para darse cuenta. La vida atormenta al pintor, su escape es la pintura y esta, ya, es su vida.


Gatos Riñendo
Color, fuerza, violencia, temor… todo en una obra que rebosa expresiones y que es sin duda el más alto grado de técnica imresionista realizada hasta ahora. Un magistral contraluz intensificado en el gato más agresivo de colores más claros, el gato negro y su miedo reflejado en su ojo, las siluetas irregulares y transparentes de los animales, conforman un conjunto innovador en la historia de la pintura universal.
Goya
Pulse en la imagen para ampliarla